Fundacruz: Fotogramas y Memoria
Amelia Herrero y sus razones invisibles
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| Flyer publicado en redes sociales |
Por Yesica Gallegos - abril 18, 2019
Fundacruz vuelve a traernos el grabado de la mano de la artista Amelia Herrero. "Las razones invisibles" abarca un compendio de fotogramas, chine collé e impresiones sobre papel que se asemejan a rollos de película, la artista camina entre la experimentación, las palabras y las figuras. Hay ciudades y estructuras como recuerdos que la artista plasma desde la consistencia de su temática. Para conocer más sobre la artista y su obra, hemos concretado una entrevista con ella.
Yesica Gallegos: Después de haber recorrido la muestra, en primera instancia me gustaría saber, como artista, cómo te definis.
Amelia Herrero: Soy artista visual. Hago grabado, pero también fotografía y video. En este momento, estoy especialmente enfocada en la obra gráfica, aunque la fotografía y el video operan como complemento de la primera.
YG: ¿Tenés preferencia por alguno de los lenguajes artísticos que manejas habitualmente?
AH: El grabado es lo que más me interesa en este momento. De todos modos, creo que en el relato de un artista, a partir del tema que le interesa abordar va buscando qué lenguaje utilizar. La temática puede ir atravesando diferentes lenguajes.
YG: Claro, es también interesante no encerrarse en un sólo lenguaje, permitiéndose la experimentación. Por otra parte, me gustaría saber ¿cómo fue tu acercamiento a las artes visuales? ¿Es algo que siempre te gustó?
AH: Estudié Bellas Artes y siempre me interesó el tema. En años posteriores al egreso del profesorado (en esa época era la única opción de la carrera), fui transitando por otros lenguajes, como salida laboral y expresión artística, como el video y la fotografía. Con el tiempo, todos esos saberes confluyeron en la obra que estoy haciendo actualmente.
YG: En cuanto al video y la fotografía, los fotogramas de tu obra me hacen pensar en recuerdos, ¿puede ser que tu obra contenga mucho de tu memoria?
AH: Sí, tiene que ver con la memoria personal y familiar. Pero también con la universal: todo lo que nos queda retenido en la memoria. Imágenes, palabras, todo aquello que guardamos es una especie de fotograma, a veces lo hacemos con una cámara de fotos, para retener ese instante; otras veces la foto es mental, pero nuestros recuerdos, nuestra memoria, es principalmente de imágenes. También de palabras, olores y sabores, pero creo que primeramente de imágenes
YG: Trabajar desde lo personal a lo universal entra en el significante que tiene tu obra. Ahora bien, en cuanto a la temática, ¿cómo calificarías el mundo que tratas de plasmar en tus imágenes? ¿O preferís no encerrar a tu obra en un tema?
AH: La temática es Fotogramas, es decir, el concepto del que hablaba recién. Generalmente son imágenes de lugares en los que estuve o pasé, además de alguna imagen del archivo familiar. Si bien hay mucho de temática urbana, no es lo "urbano" como tema lo que me interesa. Elijo lugares generalmente transitorios que me interesan "guardar". Lo que me interesa es preservar ese instante
YG: Me recuerda a la obra de Lucía Torres, ella también expone mucho de su memoria en sus obras. También se encuentra la mancha, varias de tus imágenes juegan con ella, ¿crees que la mancha es un recurso inconsciente en tu obra o es parte de tu lenguaje?
AH: Sí, Lucía Torres también trabaja con la memoria. Es interesante como la memoria aparece en la obra de distintos artistas y con diferentes lenguajes, y como lo que cada artista trabaja, desde su memoria personal, impacta en el público despertando la memoria individual de cada uno.
Es parte de mi búsqueda trabajar con manchas y/o agregados a la imagen primera. Me interesa ese trabajo de superposición tenue de colores logrados con impresiones sucesivas, algo así como las capas de la memoria.
YG: Me gusta el enlace entre la producción técnica y el concepto de las capas de la memoria. Eso me lleva a preguntarte, ¿cómo crea Amelia Herrero? ¿Tenés un tiempo, un espacio y una disposición para la creación?
AH: Con respecto al tiempo, alterno mi tarea docente con mi producción artística. Hace un poco más de un año decidí dejar algunas horas de clase para poder dedicar dos días a la semana a producir mi obra. Trabajo en mi casa-taller, el cual es mi espacio de trabajo habitual, donde imprimo con la prensa, pero también donde realizo bocetos y ediciones de fotografía.
YG:¿Hace cuánto tiempo ejerces la docencia? ¿Podriamos decir que el arte y la docencia son dos de tus pasiones?
AH: Hace 25 años que soy docente. Digamos que el trabajo de docente me permite hacer mi obra. Si bien me gusta la tarea docente, reconozco que preferiría estar dedicada totalmente a la obra. Tal vez alguna vez llegue ese momento.
YG: Sí, se trata de diferentes retribuciones. Como docente, ¿considerás que tu posicionamiento es de una artista-docente o sólo docente?
AH: En el colegio, soy una docente-artista, ya que en ese ámbito soy educadora en primer lugar. Si hablamos de como me defino yo, sería artista-docente, porque creo que privilegía mi mirada de artista.
YG: Ahora bien, quisiera que hablemos de vos, ya no como artista, sino como espectadora. Cuando visitas los museos ¿qué tipo de arte es el que te gusta ver? ¿Estaría bien decir "tipo de arte" o sólo "arte"?
AH: Me interesa ver "arte", puede ser desde clásico a contemporáneo, desde un óleo del Renacimiento hasta Arte Instalativo. Pero, con todo lo subjetivo que conlleva el arte, hay obras que me llegan más, siempre por motivos diferentes.
YG: Cuando hablamos de la subjetividad y los conceptos pienso en el Arte Contemporáneo, me gustaría saber qué opinas sobre él. Para algunos, se trata del arte de este tiempo, lo que los artistas producen hoy; para otros son tipos de obras de arte que trabajan con el concepto y la interacción con el público, espectadores que muchos veces no lo comprenden. ¿Qué pensás de esta situación?
AH: Considero que el Arte Contemporáneo necesita una mirada atenta y un tiempo de reflexión. Muchas veces no es un arte "fácil" de ver o resulta elitista. No creo que pase por ahí, creo que, al ser importante el concepto, requiere de otro tipo de mirada y puede tener como resultado lecturas muy diferentes. Y de eso se trata.
YG: Hay mucha incomprensión que ronda el Arte Contemporáneo, parece necesario educar la mirada. Por último, si hablamos de sueños y anhelos, ¿qué es lo que esperás de tu carrera como artista a futuro?
AH: Sí, es necesario educar la mirada. Como artista anhelo poder seguir realizando mi obra, crecer en el concepto y en la forma de expresarlo y un deseo propio y para todos los artistas es que haya instituciones que apoyen nuestro quehacer y nos den la posibilidad de mostrar lo que tenemos para contar.
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